Jack Halberstam, Trans, p.222. 

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Notes autour du projet

Je prends la boite scénique pour ce qu’elle est, une boite noire, technique, ouverte sur un coté pour que des spectateurs puissent voir. Dans la boite, je [dis]pose des éléments, des corps d’abord pour qu’ils soient vus de vous, j’ai des murs, un plateau, je peux suspendre et éclairer, les voix et les corps peuvent se déployer, porter. J’essaye ainsi de la rendre neutre, un lieu d’exposition, une forme d’attention. J’y expose une situation, un point de départ, pour qu’ensuite elle se déploie. Cette exposition va de pair avec une frontalité que j’assume faute de pouvoir la contourner, sur un banc assis de face, debout, sur un proscenium sans profondeur… On est face à vous, on va vous raconter une situation, une histoire, c’est le point de départ. S’y expose, témoigne, présente quelque chose du monde, pas une représentation du monde, plutôt des fragments, des images [souvent via la vidéo] des présences, des mots. C’est suspendu, accroché au mur, cela ne reproduit pas, parfois cela suggère un lieu, à peine. Ce n’est pas un décor.

Mais le puis-je ?
Car elle insiste et reste présente pour ce qu’elle est, une histoire, un dispositif, une relation au monde et à ceux qui font l’expérience de ce qu’il s’y passe, et qui attendent souvent la reconduction d’une expérience. C’est ce qui m’ennuie le plus car la relation au monde que matérialise la boite scénique, à mon sens, elle a beau être notre histoire – certains disent : notre identité, elle est tout comme notre histoire : une ruine coloniale, saturée des débris du monde impérial. Oh, elle est efficace et continue à l’être, elle s’adapte, elle accepte de donner à voir des récits, des corps qui n’y avaient pas accès auparavant, et peut-être [je n’en suis pas sûr] des nouvelles manière de raconter. Mais j’ai tendance à penser qu’elle impose, même par devers elle, ses-nos manières de dire le monde, de le regarder et de le penser. Elle est faite pour cela d’ailleurs. Ce qui me gène, c’est que je dois à chaque création assumer, voire affronter cela, sans trop savoir comment je peux m’en extirper, ou du moins l’éloigner, jouer avec. La boite n’est pas souple, elle est même assez rigide. Et ce n’est pas les usages dominants qui en sont fait actuellement [retour à la frontalité] qui aident.

La difficulté c’est qu’elle est scène et se dit comme telle, ce qui signifie qu’elle reste inscrite dans une relation de séparation aux hors-scène et autres ob-scènes. Tous les hors-ob-scène sont aussi des hors champ et la condition toujours et encore, c’est de l’occuper comme scène et non comme hors-scène, avec tellement d’enjeux collés sur ce geste soi disant producteur de sens, de politique, de distance réflexive, d’éducation… Or probablement aujourd’hui, les hors-scène deviennent plus importants, plus riches et essentiels que la scène, il s’y dit, vit, passe plus de choses complexes et intéressantes. Les mettre sur scène [en scène] assèche, simplifie, scénarise, caricature. Il y a là un renversement à inventer, comment faire que nos scènes, les boites scéniques et ce qui s’y déploie, ne soient plus la mise en visibilité et le formatage, la mise en communication de la richesse secrète, ou du moins discrète, des hors scène.

Dire : oui, là il se passe quelque chose mais non, vous ne verrez pas tout. Si vous voulez en vivre plus, interrompez la position vision assise, la toute puissance, de sa jouissance en sécurité et venez avec nous dans les coulisses, sur le plateau, traversez le cadre, venez nous rejoindre.

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Post Instagram & Facebook le 08/06/2024

La petite Dernière de Fatima Daas, adapté et mis en scène par Leyla Rabih, raconte le parcours intime d’une jeune femme d’origine algérienne née et grandie en banlieue parisienne, musulmane pratiquante et queer, assumant l’un et l’autre. Cette histoire est ici à Berlin portée par toute une équipe artistique, chacun·e, à son endroit est concerné sans questions inutiles, dans une tranquillité ordinaire. Ce spectacle raconte une liberté de choix qui a tant manqué à ma génération, hors les sphères militantes si essentielles mais dans lesquelles je n’ai pas su-pu prendre ma place. Longtemps j’ai vécu en solitaire cette aspiration à une liberté intime sans jugement ni interdiction et marqué par le temps de ma jeunesse, cela reste en partie le cas aujourd’hui. Un instant de peur me traverse à chaque fois que cette histoire est dite publiquement, rappel d’une époque pas si lointaine ou vivre discret, voire caché, était impérieux. Etre impliqué dans ce spectacle que nous avons voulu beau et doux, adressé à un public adolescent – Parkaue est à Berlin un théâtre national pour l’enfance et la jeunesse – ou bien l’année dernière dans le spectacle de Nadia Beugré, voir les possibles s’ouvrir pour les jeunes générations m’émeut et me soulage, même si le monde simultanément se durcit. Je croise tant de personnes, ami·es qui se prennent sans fin les pieds dans le tapis du désir, vivant difficilement un écartèlement. Pourquoi cela reste t’il si complexe aujourd’hui d’être simplement qui on a envie, comme on a envie dans son opacité et sa transparence. Bref, travaillant sur ce projet je me suis senti entouré sans être dans une communauté restreinte.
«  Le type d’art qui vient avec ‘l’être entre deux’ remet en cause la lisibilité, préfère l’abstraction et trouve des modes alternatifs d’existence dans le refuge, et le refus du sens et de l’évidence » (Jack Halberstam, Trans).
A la fin de la générale toute l’équipe, essentiellement féminine, aux origines si diverses, est descendue sur le plateau rejoindre les actrices. Nous étions calmes et heureux·ses, du commun circulait. La scène reste un endroit ou se sentir bien, quelques instants, dans ce monde. Un monde possible.
Première ce soir.